不同时期、不同风格、不同流派的油画创作，在绘画技法和审美思维上都有诸多不同，要注意的细节自然也不尽相同。
对于大众来讲，现在大多还是坚持画得越像、越写实才越是好的作品，画得越不像、越不写实就是差作品的审美习惯。从某种程度上来说，这是错误的，至少也是有失偏颇的审美认识与评价标准。作为真正的艺术家，应该赋予艺术创作以时代精神，从所处的生活现实中来找寻艺术上新的、深刻的表现样式、表达语言，这也是艺术发展的必然规律。我们不排除古典写实主义油画作品的艺术价值，诸如《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》等经典作品仍然有着极高的艺术价值，其艺术思维和绘画技法值得我们学习和借鉴。但是，当代的艺术家不能墨守陈规，固步自封，还需要通过自己敏锐的观察力、判别力来进行绘画创作的深度研究和探索，从而真正创作出更加富有时代精神的精品力作。有人说传统油画是当代油画的阶梯，不会画传统油画没有基础，就像空中楼阁。这么说也是有一定道理的，油画创作的技法和要注意的细节几乎都在传统的经典作品中得以体现，大家从传统中汲取养料自然是没有问题的。但是，这种说法还是不够全面。包括陈丹青等艺术家都明确反对以素描训练为基础的传统教学方法，认为现代艺术教学从印象派开始入手注重色彩关系就够了。一个人精力有限，学完古典写实再学现代艺术真是浪费了太多的时间，结果两条线都爬不到颠峰。但是，万变不离其宗，无论何种风格、何种题材的油画作品，创作时主要还是依靠造型与色彩两大要素。换句话说，油画创作始终离不开形、光、色这三大表现手段。形，也就是形体。也就是画家首先应该具备的、最基本的造型能力。不管素描训练的教学方法存在着多少争议，深厚的素描功底始终是油画创作应该具备的创作基础。离开了素描基础，要想在造型方面表现出水准还是不太可能的。确切地说，对光效的表现和研究，应该是法国印象派兴起之后的事了。印象派画家们对光的理解趋于了科学与理性，对光影的表现也就更加逼真生动。这样的突破，对后面的各种风格的油画创作都产生了深远影响。归根结底，油画最重要的元素还是色彩。调色板上的颜色必须经画家精心地加以艺术化的调制，以求得色彩的柔和，逼真，色块与色块之间搭配的和谐统一。把握好一种色调，形成能体现出某种色彩倾向的，并且变化多端，微妙细腻的画面效果。这些都是我们在创作油画时必须要注意的东西。当然，这也只是惊龙轩一家之言，欢迎与大家一起交流探讨。谢谢！
